Le Disco Indien de Bollywood

 

Le disco indien de Bollywood représente l’une des transformations culturelles les plus remarquables de l’Inde post-indépendante, marquant les années 1970 et 1980 par une fusion audacieuse entre les rythmes occidentaux et l’esthétique bollywoodienne. 

Ce phénomène musical n’a pas été le simple reflet d’une tendance mondiale, mais plutôt une adaptation créative qui a façonné l’industrie musicale indienne, démocratisé l’accès à la musique de masse grâce aux cassettes audio, et établi les fondations d’une culture pop moderne en Inde. 

Des producteurs innovants comme Bappi Lahiri et Biddu, aux icons du cinéma comme Mithun Chakraborty et Nazia Hassan, le disco bollywoodien a créé une véritable révolution culturelle qui s’étendrait bien au-delà des frontières indiennes.

Les Origines du Disco Indien et le Contexte Technologique

L’Émergence du Synthétiseur en Inde

La genèse du disco indien remonte à une période de visionnaire expérimentation technologique en Inde. 

Au cœur de cette révolution se trouve le National Institute of Design (NID) d’Ahmedabad, où des pionniers comme Geeta Sarabhai ont collaboré avec le compositeur américain David Tudor pour introduire le synthétiseur Moog en Inde en 1969. 

Cette collaboration révolutionnaire entre l’Est et l’Ouest a jeté les bases de l’acceptation des instruments électroniques dans la musique indienne, bien avant que le disco ne devienne un phénomène mainstream. 

Geeta Sarabhai, musicienne classique elle-même, voyait dans ces outils électroniques une opportunité de fusionner les traditions musicales indiennes avec les possibilités technologiques occidentales.

Cette introduction précoce de la technologie électronique a créé un environnement propice à l’émergence d’une musique moderne et synthétisée.

Alors que les États-Unis et l’Europe exploitaient déjà les possibilités du synthétiseur pour créer le disco, l’Inde, grâce à ces pionniers, s’était déjà familiarisée avec ces technologies.

Les échos de ces expérimentations du NID se feront entendre dans les productions disco de Bollywood quelques années plus tard.

La Révolution de la Cassette Audio

Un facteur déterminant dans la popularisation du disco indien a été la révolution technologique des cassettes audio au début des années 1980.

Selon l’ethnomusicologue Peter Manuel, expert en musique indienne, à la fin des années 1970, une politique de relance économique indienne a considérablement amélioré le pouvoir d’achat de la classe moyenne.

Ce lifting économique a permis aux foyers indiens de s’équiper massivement en lecteurs de cassettes, appareils technologiques qui se sont bientôt proliférés sur l’ensemble du territoire.^[5][6][7]

La cassette audio n’était pas simplement un dispositif technologique ; elle représentait une démocratisation majeure de l’accès à la musique.

Avant les cassettes, l’industrie musicale indienne était dominée par le monopole de la Gramophone Company of India, qui contrôlait la production et la distribution des disques vinyles.

L’arrivée de la cassette audio a fragmenté ce monopole et permis à des centaines de producteurs locaux d’entrer sur le marché, créant ainsi une compétition dynamique qui a abouti à une explosion de diversité musicale.

Bappi Lahiri : Le Roi du Disco Indien

L’Ascension du « Disco King »

Bappi Apparesh Lahiri, né le 27 novembre 1952 à Siliguri en Bengale-Occidental, est devenu la figure emblématique de la révolution disco indienne.

Venu à Mumbai à l’âge de 19 ans, Bappi a d’abord travaillé comme compositeur pour des films bengalis, mais c’est avec le film Zakhmee (1975), réalisé par Tahir Husain, que sa carrière a vraiment décollé.

Les compositions de ce film, notamment les duos « Jalta Hai Jiya Mera » et la célèbre chanson « Phir Janam Lenge Hum » chantée par Kishore Kumar et Lata Mangeshkar, lui ont valu la reconnaissance nationale en tant que compositeur.

Ce qui distinguait Bappi Lahiri des autres compositeurs de son époque, c’était sa vision d’intégrer les éléments électroniques et les rythmes disco dans la musique bollywoodienne traditionnelle.

Inspiré depuis l’enfance par Elvis Presley, qu’il admirait pour son charisme et son style, Bappi a cultivé une signature personnelle distinctive : le port de multiples chaînes en or et de bijoux dorés, qu’il considérait comme « chanceux » pour sa carrière.

Cette image flamboyante était l’incarnation visuelle de son approche musicale audacieuse et novatrice.

L’Année Charnière : 1980

L’année 1980 a marqué un tournant décisif dans la carrière de Bappi Lahiri et dans l’histoire du disco indien.

Le film Qurbani, produit, réalisé et interprété par Feroz Khan, est devenu le plus grand succès du box-office de l’année 1980.

Le vrai coup de génie a été l’inclusion d’une chanson disco révolutionnaire, « Aap Jaisa Koi », composée par Biddu et chantée par une jeune chanteuse pakistanaise de seulement 14 ans, Nazia Hassan.

Bien que le film ait été le grand succès commercial, c’est véritablement Bappi Lahiri qui a dominé la scène disco de l’époque avec d’autres productions.

Deux films de 1981 ont consolidé sa position : Wardat et Pyara Dushman, pour lesquels il a composé des chansons disco mémorables.

Son génie était de savoir comment adapter les synthétiseurs et les rythmes disco pour qu’ils résonnent avec un public indien, tout en conservant certains éléments de la musique traditionnelle indienne.

Bappi Lahiri : Des Chiffres Records

Les accomplissements de Bappi Lahiri au cours des années 1980 ont été impressionnants.

En 1986, il a été reconnu par le Guinness World Records pour avoir enregistré plus de 180 chansons en une seule année.

Cette productivité phénoménale reflète non seulement son talent musical, mais aussi la demande massive pour sa musique.

Ses compositions ont dominé le classement des films hit, notamment avec des succès comme Namak Halaal (qui incluait une interpolation du célèbre « I Feel Love » de Donna Summer), Hathkadi, Masterji, Dance Dance, et Himmatwala.

Biddu : Le Producteur Visionnaire

Du Succès International aux Rivages Indiens

Biddu Appaiah, né le 8 février 1945 à Bangalore, était avant d’explorer le disco indien, déjà un producteur de renom international.

Son parcours musical l’avait amené de l’Inde en Angleterre, où il s’était fait connaître comme l’un des pionniers du disco et de l’Euro disco.

Son plus grand succès international avant le marché indien était « Kung Fu Fighting » de Carl Douglas en 1974, qui s’est vendu à plus de 11 millions d’exemplaires et a grandement contribué à populariser la musique disco à l’échelle mondiale.

Qurbani et Nazia Hassan : Un Tournant

Biddu a façonné le disco indien par sa collaboration décisive avec la jeune sensation Nazia Hassan.

Engagé par Feroz Khan pour composer une chanson disco pour Qurbani, Biddu a d’abord hésité à utiliser des voix indiennes traditionnelles, préférant une sonorité plus occidentale et commerciale.

Ce n’est qu’après avoir écouté les compositions originales de Nazia et de son frère Zoheb Hassan qu’il a changé d’avis.

La chanson « Aap Jaisa Koi » a été enregistrée en 24 pistes à Londres, une première pour une chanson bollywoodienne à l’époque.

La voix pure et cristalline de Nazia Hassan, combinée avec le génie productif de Biddu et sa maîtrise des synthétiseurs, a créé une fusion musicale qui a transcendé les frontières culturelles.

Le succès de la chanson a été tel que Nazia Hassan est devenue, à l’âge de 15 ans, la première personne pakistanaise à remporter un Filmfare Award.

Disco Deewane : Le Succès Panasiatique

Le succès de « Qurbani » a incité Biddu à poursuivre son aventure dans le disco indien.

Son album Disco Deewane (1981) avec Nazia Hassan et son frère Zoheb Hassan s’est écoulé à plus de 100 000 exemplaires en 24 heures en Inde seule.

C’était l’un des plus grands succès de la décennie en Asie du Sud.

L’album a révolutionné l’industrie musicale sud-asiatique, car c’était le premier album non-filmique à connaître un succès majeur dans une région où l’industrie musicale était jusqu’alors dominée par les bandes sonores de Bollywood.

L’impact global de Disco Deewane a été remarquable : l’album a atteint les classements dans 14 pays différents et est devenu le premier album pop sud-asiatique à topper les charts au Brésil et en Russie, ainsi que chez la diaspora sud-asiatique au Canada, au Royaume-Uni, aux États-Unis et aux Indes occidentales.

Cette réussite internationale a prouvé que le disco indien n’était pas une curiosité locale, mais un phénomène musical d’envergure mondiale.

Mithun Chakraborty et le Cinéma Disco

Disco Dancer : Le Film Culte

Si Bappi Lahiri et Biddu ont fourni la bande sonore, c’est Mithun Chakraborty qui a donné un visage et un corps au disco indien.

Le film Disco Dancer (1982), réalisé par Babbar Subhash et composé par Bappi Lahiri, raconte l’histoire d’Anil, un performer de rue qui devient un danseur disco célèbre sous le pseudonyme « Jimmy ».

Le film, avec ses chansons emblématiques comme « Jimmy Jimmy Jimmy Aaja », « I Am a Disco Dancer » et « Yaad Aa Raha Hai », est devenu l’un des plus grands succès de son époque.

Le succès de Disco Dancer a transcendé toutes les attentes.

Le film a été regardé par plus de 100 millions de personnes à sa sortie, et il s’est avéré être un succès monstre dans les marchés les plus inattendus.

En Union soviétique, le film est devenu le deuxième plus haut-grossing film ever et le plus haut-grossing film étranger jamais sorti là-bas.

Cette popularité stupéfiante en Union soviétique reflète la portée universelle des rythmes disco et l’attrait transculturel du film.

Mithun Chakraborty est devenu instantanément une icône internationale, établissant son statut de super-star du cinéma de Bollywood.

Le surnom « Jimmy » est devenu tellement associé à Mithun que le surnom a perduré bien au-delà de la fin de la mode disco. Sa danse énergique et son charisme ont établi un modèle pour la façon dont le disco allait être dansé et performé dans la culture populaire indienne.

L’Impact Culturel au-delà de l’Inde

Le succès de Disco Dancer dans le monde soviétique et au-delà a ouvert les yeux de l’industrie mondiale au potentiel du marché indien et à la puissance du cinéma bollywoodien.

La chanson « Jimmy Jimmy Jimmy Aaja » a même été échantillonnée et remixée par l’artiste britanique M.I.A. dans sa chanson « Jimmy » en 2005, montrant comment le disco indien continuait à influencer les artistes contemporains.

Studio 29 : La Discothèque Indienne

Naissance d’une Légende Nocturne

Parallèlement à la révolution cinématographique, une révolution culturelle nocturne se dessinait à Mumbai.

En avril 1979, avant même le succès de Qurbani, Sabira Merchant, une femme d’affaires visionnaire et fille du père du bâtiment où allait s’ouvrir le club, a fondé Studio 29, la première discothèque véritablement moderne de Mumbai.

Inspirée par le légendaire Studio 54 de New York, après avoir vu une couverture de Donna Summer sur Newsweek intitulée « Disco Takes Over », Sabira a décidé de transformer le rez-de-chaussée du bâtiment du Bombay International Hotel en une discothèque de classe mondiale.

Une Réplique Indienne du Studio 54

Le Studio 29 n’a pas épargné les dépenses.

Les systèmes de son, les platines, l’équipement d’éclairage et la fameuse boule à facettes disco ont tous été importés d’Angleterre.

Les murs écarlates, les rideaux scintillants, les chaises en velours et les mémorabilia de Marilyn Monroe ont tous contribué à créer une atmosphère de glamour occidental.

Le club fonctionnait sur un système de cartes de membre, et à son apogée, comptait environ 700 membres payants.

Le Studio 29 attirait les élites de Mumbai : les étoiles montantes du cinéma, les enfants de magnats, les mannequins vedettes et les futurs icônes de la culture pop.

Les DJs étrangers jouaient des chansons charthuster de disco, de rock et de metal lourd, et le club devint rapidement un lieu de tournage favori pour les réalisateurs de Bollywood qui voulaient imprégner leurs films du glamour et de la sophistication du disco.

Un Phénomène Éphémère mais Mémorable

Malgré son succès initial, le Studio 29 n’a pas survécu longtemps.

Des disputes avec les travailleurs et une baisse graduelle de la fréquentation ont forcé la fermeture du club vers 1985.

Cependant, même 30 ans après sa fermeture, le Studio 29 reste gravé dans la mémoire collective de Mumbai comme le lieu de naissance de la culture disco indienne, le grand-père du nightlife moderne en Inde.

La Vague des Chanteuses : Au-delà de Nazia Hassan

Usha Uthup : La Reine Alternatrice

Bien que Nazia Hassan ait été la sensation du pop disco sud-asiatique, Usha Uthup, née le 8 novembre 1947, a apporté une dimension différente au disco indien.

Avec sa voix profonde et veloutée en contralto, Usha a travaillé avec le compositeur légendaire R.D. Burman et ultérieurement avec Bappi Lahiri dans les années 1970 et 1980.

Ses interprétations de chansons disco comme « Hari Om Hari » de Pyara Dushman (1981), composée par Bappi Lahiri, ont permis à Usha de montrer que le disco pouvait être chanté avec une certaine sophistication et profondeur vocale.

Son album 24 Carats a soulevé la musique de succès disco occidentaux classiques, mettant en avant des versions disco de chansons comme « Don’t Stop Till You Get Enough » de Michael Jackson, « I Will Survive » de Gloria Gaynor et « My Life » de Billy Joel.

Les Autres Ambassadrices du Disco

Le disco indien ne se résumait pas à Bappi Lahiri et Usha Uthup.

Des artistes comme Asha Bhosle, la chanteuse de légende de Bollywood, ont également embrassé le disco avec des chansons comme « Bugi Bugi » et « Bongo Bongo ».

Sharon Prabhakar a enregistré des morceaux disco remarquables comme « Chal Disco Chal », et Salma Agha, avec sa voix envoûtante, a contribué au phénomène avec des chansons comme « Jhoom Jhoom ».

L’Impact Économique et Technologique

La Politique d’Économie Libérale de 1980

L’année 1980 a marqué un tournant décisif non seulement culturel mais aussi économique en Inde.

Le gouvernement indien a appliqué une politique de libéralisation économique, en desserrant les restrictions sur la création d’entreprises et les contrôles d’importation.

Ce moment précis dans l’histoire économique indienne a transformé la manière dont la musique était produite, distribuée et consommée.

Avant 1980, la classe moyenne indienne représentait un bloc de consommateurs comparable à la population totale de la France.

Avec la libéralisation et l’amélioration conséquente du pouvoir d’achat, ce bloc de consommateurs s’est transformé en l’une des plus grandes populations d’acheteurs de musique enregistrée au monde.

La capacité des foyers indiens à s’équiper en lecteurs de cassettes s’est amplifiée, créant une demande massive pour la musique enregistrée.

De l’Inde en Tant que Plus Grande Discothèque du Monde

Le phénomène était si remarquable qu’on pouvait dire que l’Inde s’était transformée en la plus grande discothèque du monde à la fin des années 1970 et au début des années 1980.

Grâce aux cassettes préenregistrées bon marché, le disco n’était plus confiné aux clubs de luxe ou aux salons de l’élite.

La musique disco était écoutée dans les rues, dans les transports en commun, dans les foyers de la classe moyenne et même dans les quartiers populaires.

La révolution musicale était à la fois ascendante et décentralisée.

L’Influence Musicale Globale

La Démolition du Monopole Occidental

L’importance du disco indien réside en partie dans le fait qu’il a démontré que le disco n’était pas une forme musicale intrinsèquement occidentale ou anglo-américaine.

Bien que le disco soit originaire des États-Unis et ait atteint sa maîtrise commercially en Occident, sa capacité à être adapté et réinterprété par des musiciens indiens a prouvé son caractère universel.

Les producteurs comme Biddu, qui avaient d’abord fait leurs preuves en Occident avec des succès comme « Kung Fu Fighting », ont trouvé dans le disco indien une plateforme pour appliquer et développer davantage leurs compétences.

L’Héritage Durable

L’influence du disco indien s’est prolongée bien au-delà des années 1980.

En 2012, l’album « Student of the Year » de Karan Johar a inclus une reprise de « Disco Deewane » intitulée « The Disco Song », ce qui montre comment l’héritage disco continue d’influencer les producteurs contemporains de Bollywood.

Des artistes comme M.I.A. ont échantillonné « Jimmy Jimmy Jimmy Aaja » pour sa chanson moderne « Jimmy », prouvant que le disco indien possédait une qualité intemporelle qui transcendait sa période temporelle spécifique.

Un Phénomène Culturel Durable

Le disco indien de Bollywood des années 1970 et 1980 représente bien plus qu’une simple tendance musicale passagère.

C’était une convergence remarquable de facteurs technologiques (l’introduction du synthétiseur et la révolution de la cassette audio), de visionnaires créatifs (Bappi Lahiri, Biddu, Sabira Merchant), d’icons culturels (Mithun Chakraborty, Nazia Hassan) et de transformations économiques (la libéralisation économique indienne de 1980) qui ont culminé dans une transformation culturelle profonde de l’Inde.

Le disco indien a démocratisé l’accès à la musique de qualité en Inde, a créé une plateforme pour les artistes locaux de briller à l’échelle mondiale, et a établi les fondations de l’industrie musicale pop moderne en Asie du Sud.

De Donna Summer à M.I.A., de Studio 54 à Studio 29, le disco indien a établi des ponts entre le West et l’East, créant une culture musicale hybride qui était simultanément universelle et profondément indienne.

Même aujourd’hui, plus de 40 ans après le déclin du disco occidental, le disco indien continue à fasciner les mélomanes, les chercheurs en musique et les curieux des phénomènes culturels, attestant de sa qualité intemporelle et de son importance historique dans l’évolution de la musique populaire mondiale.